LA CENA DE LOS IDIOTAS (2011,Teatro, Madrid).

Seguro que todos nos reímos mucho en el cine o en la tele viendo la magnífica comedia llena de moraleja Le dîner de cons, de Francis Veber. Esta reflexión sobre la estupidez de la sociedad la están representando de manera magnífica Josema Yuste (ex de Martes y Trece), Agustín Jiménez y "Felisuco" en el Teatro Infanta Isabel de Madrid, en la Calle Barquillo (si nos bajamos en la parada de Metro de Chueca, solo hay que bajar hacial el nuevo mercado de Antón Martín, se puede parar y tomar un refresco y un pinchito en él, es precioso). Esta historia plantea quiénes son los verdaderos idiotas de la sociedad; aunque parecen los pobres de espíritu, siempre son los que se creen más listos para juzgar y burlarse de los demás, por eso está tan de moda esta magnífica versión que han dirigido el propio Josema Yuste y Juan José Alfonso en una versión no idéntica a la de la película, sino reescrita y llena de nuevos gags por el genial Josema. Su personaje, que va de listo, se reúne un día a la semana con sus compañeros de la empresa para cenar y hacen siempre una apuesta:ganará un premio quien lleve al invitado más idiota. En esta ocasión él no ha encontrado a ningún incauto, así que decide llevar a uno, el Sr. Pignon, al que un amigo ha conocido y le ha dicho que está obsesionado con fabricar esculturas de cerillas. Cuando este llega a su casa comienzan a suceder las situaciones más disparatadas que se puedan imaginar de la mano de estos grandes del género de la comedia, pero una comedia reflexiva que hace que el espectador piense si muchas de las cosas que hace no pueden considerarse de esa manera (el Sr. Pignon es un verdadero gafe). Geniales los actores y el montaje, además, teniendo en cuenta que Yuste no vio ningún montaje teatral anterior para hacer el suyo. Mucho ánimo y no dejéis de verla en un teatro precioso de Madrid, el Infanta Isabel, que cumple ya cien años

UN MÉTODO PELIGROSO (David Cronenberg, 2011). CINE.

Esta semana se estrenó la última película de David Cronenberg, titulada en España Un método peligroso con los actores Keira Knightley, Michael Fassbender y Viggo Mortensen en los principales papeles. Si todo el mundo ha oído hablar de Freud y de sus teorías sobre el psicoanálisis, no ocurre lo mismo con el personaje sobre el que gira esta magnífica película, el psicólogo Karl Gustav Jung (Fassbender, genial en toda la película). Entre este y Freud (Mortensen, quizá un poco menos bueno en su papel aunque muy creíble) se establece una amistad como la de maestro-alumno, pues el joven Jung admira al gran maestro del psicoanálisis. Pero la "especial" relación entre Jung y una de sus pacientes, la joven Sabina Spielrein (increíble y muy mejorada Keira Knightley), hará que entre el mentor y el joven Jung se rompa ese vínculo. La película hace un ciaje a los orígenes de la pasión y reflexiona sobre ellos en una magnífica relación a tres bandas que no dejará a nadie impasible. Y si esta relación parecía poco, aparece, como "deus ex machina" que hace avanzar la acción y conseguir que Jung se decida a hacer lo que realmente quiere pero no se atreve, el magnífico, incluso en su corto papel, Otto Gross (increíble Vincent Cassell), enviado por Freud al hospital donde trabaja Jung para ver si puede ayudarlo. Innovadora en los códigos de principio a fin y capaz de conseguir que salgan a flote nuestros deseos más oscuros, "A dangerous method" sirve como exploración del subconsciente de cada espectador, que sale de la sala de cine reflexionando sobre su propia vida. Muy buena, muy recomendable para los amantes del cine de buena fotografía, poca acción y mucha reflexión a través de los diálogos y el desarrollo del argumento.

EL LECTOR (Cine: Stephen Daldry; Novela: Bernhard Schlink)

La historia de El lector comienza en la Alemania posterior a la Segunda Guerra Mundial, donde aún colean temas como el Holacausto judío y las relaciones entre estos y los nazis.
Michael Berg, un adolescente, se pone enfermo al volver del colegio y, cuando se encuantra al límite de sus fuerzas, Hanna, una desconocida que le dobla la edad, lo ayuda llevándolo a casa. Una vez recuperado, Michael busca a Hanna para darle las gracias. Comienza así un apasionado y secreto idilio entre ambos. Michael descubre que a Hanna le encanta que le lea y su relación física se hace más profunda. Hanna encuentra un inmenso placer en las lecturas que Michael le hace de fragmentos de La Odisea, Las aventuras de Huckleberry Finn, La dama del perrito... Sin embargo, pese a la intensidad de su relación, Hanna desaparece un día misteriosamente dejando a Michael confuso y desconsolado. Ocho años más tarde, siendo estudiante de Derecho, Michael asiste a los juicios por los crímenes nazis y se queda atónito al encontrarse de nuevo con Hanna, esta vez, como acusada en un juicio. A medida que se va revelando el pasado de la mujer, Michael descubre un profundo secreto que tendrá un gran impacto en la vida de ambos.
La novela te envuelve en un mundo lleno de pasiones, delirios y amor en un ambiente de postguerra en el que todos deben pagar por lo que han hecho, fascina la forma en que el escritor cuenta los secretos más importantes de la vida de Hanna. Como fascinante es también la forma de narrar y el comienzo y el final.
En cuanto a la película, no podéis perderos al siempre magnífico Ralph Fiennes (El jardinero fiel, Alta Sociedad...), a la inigualable Kate Winslet (Titanic, Revolutionary Road) y al principiante David Kross, quien se preparó para hacer este papel durante 2 años, hasta que el siempre sorprendente director, Stephen Daldry (Billy Elliot, Las horas) creyó que estaba verdaderamente preparado para hacer frente a un papel tan bueno como el de Michael Berg. Las escenas de amor-pasión entre Michael y Hanna, siempre antecedidas de una lectura de Michael, son increíbles, y en ellas se aprecia la maestría tanto del joven Kross y de la Winslet como del afamado y magnífico director Stephen Daldry, ya conocido por sus éxitos.
Si os gustó Billy Elliot y os emocionasteis con Las horas, dos de mis películas favoritas, no os perdáis este clásico. Impresionante desde cualquier punto de vista.

LIBROS, PELÍCULAS Y OBRAS DE TEATRO SUGERIDAS.

COMENZARÁ TAMBIÉN LA SECCIÓN EN LA QUE COMENTARÉ LOS LIBROS, PELÍCULAS Y OBRAS DE TEATRO QUE HE PUESTO COMO MIS FAVORITOS EN LA PARTE DE ABAJO. COMENZARÉ CON EL LECTOR. OS SEDUCIRÁ SI AÚN NO HABÉIS VISTO LA PELÍCULA CON KATE WINSLET Y RALPH FIENNES O NO HABÉIS LEÍDO EL LIBRO. COMIENZA LA AVENTURA DE LA LECTURA Y EL CINE.

DR. FAUSTUS de Chritopher Marlowe (Rakatá Teatro)

Si hay algo impresionante en el teatro es ver los montajes que hoy en día se hacen de los clásicos. Y si hay una compañía hoy en España que consigue llegar al nivel de la Compañía Nacional de Teatro Clásico en sus montajes sobre los clásicos es RAKATÁ TEATRO, a la que sigo desde hace unos meses porque me parecen los mejores. Su interés por el teatro clásico los ha llevado no solo a un repertorio inigualable sino a ser elegidos por la Royal Shakespeare Company para interpretar un drama histórico del genio inglés en el teatro donde todos los actores esperan estrenar algún día, The Globe, el teatro que a lo largo del siglo XVII vio en las tablas los éxitos de genios como el de Stratford, pero también los de otros contemporáneos como Christopher Marlowe, como es este caso.
Asistí al pre-estreno de la maravillosa historia del Dr. Faustus en el Teatro Auditorio Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes invitado por los actores de esta incomparable compañía. Si me habían dejado totalmente sin palabras en la representación y puesta en escena de El castigo sin venganza de Lope de Vega, he disfrutado como nunca al verlos de nuevo en esta increíble obra que quedó oculta tras el genio de Shakespeare pero que hoy han recuperado de la mano del director Simon Breden.
El vestuario, las actuaciones, el montaje, el saber hacer de todos (cuando digo todos incluyo, como es lógico, a los que no aparecen en escena y son el alma de toda obra de teatro, incluyendo a los que diseñaron el cartel de la obra) y la magnífica puesta en escena me subyugaron desde el primer momento. Óscar Sánchez, interpretando al mítico Dr. Faustus, brilla en el escenario, cuando él aparece nada más atrae tu atención; Rodrigo Arribas, en su papel de Wagner, el criado del Dr. Faustus, y haciendo de Galileo, eclipsa las luces del escenario; todos los demás están increíbles: Mario Vedoya, Bruno Ciordia, Jesús Teyssiere, Alicia Garau, Ana María Montero y Juan Pedro Schwartz. Todos consiguen traer el mito del Dr. Faustus al escenario, parece que haces el viaje con él durante las dos horas que dura la función, te meten tanto en la función que no puedes salir de allí.
Todos conocemos hoy en día el mito de Fausto por la versión romántica de Goethe, pero este Dr. Faustus de Marlowe despoja al mito de todo romanticismo y nos presenta a un hombre cegado por la ambición, de moral quebradiza y loco por poseer una vida en la que él pueda dominar todo y a todos. La sociedad dominada por el pecado y el horror que presenta esta obra y a este mito pueden trasladarse perfectamente a la nuestra, por eso se considera a Faustus como un mito, alguien que pervive para siempre en nuestra memoria. Esa lucha entre el bien y el mal nos lleva a todos a admirar a Faustus, pero como dice el propio Simon Breden "acabará por convertirnos en Mefistófeles a nosotros mismos".
El Dr. Faustus vende su alma al diablo por conseguir algo que desea para toda la vida, pero finalmente el paso del tiempo, ese "urdidor de mortajas" que nos presentaban ya los clásicos, acaba con la vida de un hombre que, desde entonces, es un mito. Y por ser un mito es por lo que no dejamos de pensar en él tras una puesta en escena tan magnífica, realista, utópica, conmovedora y fantástica como la que han propuesto desde RAKATÁ TEATRO.
¡Ojalá muchos ayuntamientos sigan el ejemplo del de San Sebastián de los Reyes y ojalá su ejemplo cunda entre la clase política dirigente! Solo a través de la cultura podemos conseguir almas educadas que no acaben convirtiéndose en futuros "Faustus" o en "pequeños Mefistófeles" de sus propias vidas.
Lo más importante que hay que sacar en claro de esta obra es que Faustus nunca pensó en las consecuencias de sus acciones, por eso es tan interesante que todos veamos esta obra para que, a través de una enseñanza indirecta, no creamos que nuestras decisiones no tienen consecuencias futuras. Eduquemos a nuestros jóvenes con obras de teatro clásico y en poco tiempo nuestra sociedad verá con otros ojos el mundo que estamos destruyendo.
¡Mucha mierda para Rodrigo y sus compañeros de viaje! Sois los mejores.

PK 2.0 (Dani Mateo, Monólogo teatral, Teatro Alcázar, Madrid)

Por si hay alguien en España que no conozca al genial Dani Mateo, os animo a todos a ver el programa titulado El Intermedio de La Sexta. Allí aparece todos los días este genio corrosivo de la actualidad que se llama Dani Mateo, acompañando a El Gran Wyoming, Beatriz Montañez, Thais Villas y todos los mejores críticos de la sociedad de hoy. Pero con una pequeña dosis diaria de Dani Mateo es muy poco, por eso me decidí a ir a verlo al Teatro Alcázar en la madrileña calle de Alcalá en ese magnífico monólogo que ha escrito, dirigido e interpretado él mismo y que ha llamado P.K 2.0, ¡que Dios nos pille confesados!
¿Hace mucho que no te confiesas? Dani Mateo te ayudará, como en un acto de contricción al uso, a que confieses esos "pecadillos" que nadie sabe. Como Dani Mateo trabaja desde hace mucho tiempo en la tele, él mismo dice para su oficio "es más importante ser pecador que dominar el inglés".
¿Quieres reírte sin parar y, a la vez, oír un buen monólogo de humor inteligente y una magnífica crítica social? "Si tienes el alma sucia y la noche libre", entonces no dejes de venir a ver a Dani Mateo. Este magnífico monólogo está pensado para los más pecadores: lujuriosos, codiciosos, avariciosos, iracundos, zampones, envidiosos, perezosos y soberbios. Si piensas que no eres nada de esto, ¿creías que iba a decirte que no vinieras a pasártelo bien con Dani Martín? Pues no, entonces es porque eres más soberbio de lo que crees. Así que tienes que confesarte, y el mejor examen de conciencia lo harás con el mejor de nuestros monologuistas del momento.

Si queréis desternillaros de risa durante casi 2 horas, no dejéis de ir a verlo, es mágico. Su medicina, la risa socarrona y ácida en la crítica a la vida diaria de cualquier persona, te cura de todos los males. Es impresionante. Tras presentar las distintas opciones religiosas de cualquier persona antes de morirse, acaba por hacer un repaso de los 7 pecados capitales (bueno, no habla de uno de ellos, ¿os imagináis cuál y por qué?) relacionándolos con el hombre actual. No es posible dejar de reírse ni un solo momento y, en un diálogo interactivo con el público, el increíble Dani Mateo consigue que creas que tú eres el verdadero protagonista.

Salí del Teatro Alcázar de tan buen humor que desde entonces veo las cosas de manera distinta. Quiero darle las gracias a Dani Mateo por esta maravilla. Además de que el teatro Alcázar (Metro Sevilla) estaba lleno, las funciones son a partir de las 23:30 de la noche, para que "los niños" no puedan ir porque quizá no les gusten algunas de las cosas que allí van a oír (¿sabéis quiénes son "los niños"?)
No dejéis tampoco de visitar su blog porque es una auténtica pasada. ¡Eres el mejor, Dani! No dejes nunca de hacernos reír, todos te lo agradecemos.

Hasta el 16 de diciembre está en el Teatro Alcázar, Ven a confesarte con el mejor sacerdote del humor de nuestros días.

Visita el blog de Dani Mateo, disfrutarás:  danimateoblog.blogspot.com

CRIMEN PERFECTO (Teatro)

Me había gustado mucho la película de Hitchcok, como casi todas las suyas. Iba al teatro un poco pensando en que sería una copia pero que iba a disfrutar dos horas de nuevo de un guión tan interesante como el de mi director de cine favorito. Sin llegar al genio, la obra, los actores y la puesta en escena, todos imitando la forma en que se hacía cine en el Hollywood de los años 60-70, consiguieron convencerme de que aquello era una maravilla. Quizá el único que no llegó a convencerme del todo fue Jorge Sanz, excesivo en su papel, demasiado sobreactuado. Pero el resto lo hacían muy bien. Me sorprendieron Pablo Puyol, perfecto en su papel, al que nunca había visto en teatro y que parece ser su lugar natural, el actor que hacía del policía que investiga el asesinato, perfecto en su lugar y la nueva actriz que hace el papel que iba a ser para Elena Furiase, la hija de Lolita. La obra comienza con una escena que no deja indiferente a nadie, no os la perdáis. Seguro que todo el mundo recuerda la maravillosa película del genio del cine, pero para los que no la conozcáis, aquí os dejo el argumento.

Tony Wendice (Jorge Sanz) quiere asesinar a su esposa Margot (María Castro) para conseguir su dinero sabiendo que ella tiene un amante con el que se ve regularmente (Pablo Puyol). El marido chantajea a un antiguo conocido para que entre en la casa en su ausencia y estrangule a Margot cuando esta reciba una llamada telefónica hecha por él. Sin embargo, el plan falla, y es ella la que mata a su asesino, con lo que pasa de ser víctima a ser sospechosa de asesinato. Aquí comienza la verdadera intriga. La mezcla entre realidad, creencia y fantasía es magnífica en este guión que comenzó siendo una obra teatral del dramaturgo inglés Frederick Knott, que fue estrenada en la BBC en 1952 y posteriormente en los escenarios londinenses y neoyorquinos antes de la realización de la película, dos años después, con guión del propio Knott y dirigida por Alfred Hitchckok.

No dejéis de verla allá donde vaya, apreciaréis que los temas que trata son universales y eternos y no solo tienen que ver con aquella época o aquellas personas. Disfrutaréis de la esencia de la intriga. Ahora están de gira, animaos a seguirlos.

QUERIDA MATILDE (Teatro)

El teatro La Latina de Madrid (en la Plaza de la Cebada, donde en la época del rey Fernando VII, "el Deseado", se realizaban los castigos públicos) ha sido siempre un teatro muy importante, pero desde que Josep María Pou se ha hecho cargo de la Dirección Artística, se han llevado a las tablas allí obras tan interesantes como Llega un inspector, La vida por delante o, ahora, Querida Matilde, con la siempre magnífica Lola Herrera, una de las grandes damas de nuestro teatro. Esta obra tiene su original en la obra Dear Old Lady, de Israel Horowitz, y ha sido traducida en español con este título. La siempre sorprendente y llena de energía Lola Herrera, aparece acompañada por un Daniel Freire increíble en su papel cómico que es a la vez dramático, y por Ana Labordeta, espléndida aunque algunos pensábamos que ya no se dedicaba a este mundo del espectáculo.
La obra comienza con la llegada a Madrid de un hombre que procede de Argentina y que ha heredado de su padre un piso en Madrid, frente a la Puerta de Alcalá. Aunque llega a España con la intención de venderlo, en él encuentra a la compañera sentimental de su padre, que vive con su hija, y a quien el difunto prometió el uso del piso durante toda su vida. El protagonista quiere arreglar su situación, terrible en ese momento, con la venta del piso y a partir de esa situación, surgen otras, en función del papel que el muerto jugaba para cada uno de ellos, sus propias carencias o sus expectativas de vida. Todo ello en tono de comedia con el objetivo de analizar sentimientos humanos y mostrar al espectador qué pasa cuando uno solo se preocupa de vivir como él quiere y de las consecuencias que tiene para quienes están alrededor. Entre los tres: madre, hija y recién llegado, se establece una relación que anima al espectador y no lo retrotrae al pasado sino que lo lleva a la Puerta de Alcalá en el momento en que ocurre la obra.
De plena actualidad, Matilde, su hija y el argentino nos harán ver que las relaciones personales son a veces difíciles en estos momentos en que tenemos a nuestro alcance tantos medios de comunicación pero no nos comunicamos. Hilarante comedia llena de frescura que os hará olvidaros de vuestros problemas personales y que os hará pasarlo muy bien durante más de una hora y media.

EL NACIONAL, de JOGLARS (Teatro)

Bajo la dirección del siempre "rupturista" Albert Boadella, cabeza visible de los siempre recordados Els Joglars, se representa en el Nuevo Teatro Alcalá (C/ Jorge Juan, esquina con C/ Alcalá), en Madrid, la magnífica obra El Nacional, que recuerda los 50 años que esta compañía lleva en escena.

En un momento en que el Teatro Nacional de la Ópera está a punto de desaparecer por su degradación tanto física como moral (ya solo quedan un viejo acomodador, don José, unos mendigos, una chica encargada de la limpieza y una pequeña parte de la orquesta), será el viejo don José quien intente por todos los medios recuperar el esplendor de tiempos pasados. Quiere representar la que para él supone la cima de la ópera, el Rigoletto de Verdi. Como si él mismo fuera el director del Teatro, intenta que ese variopinto grupo consiga algo. El trabajo de todos los artistas, desde don José, que lleva el peso de una obra larga, hasta el último de ellos, es espectacular, y las voces de quienes cantan las "arias" de Rigoletto son lo mejor de la obra.

Es tan fácil meterse en la obra después de los "primeros compases" que cuesta salir de ella una vez terminada, es algo que te atrapa y no te deja pensar en otra cosa que en su crítica a esos "desorbitados montajes operísticos" que acaban, como ha afirmado el propio Boadella, "con el 90 por ciento de los presupuestos escénicos de cualquier Estado" teniendo en cuenta el momento tan crítico por el que está pasando la cultura. Este hecho lleva a pensar que si todo continúa así, la cultura nos durará poco tiempo, y lo más importante de un montaje, el resultado de cara al público, será cada vez menos interesante a pesar de todo el "bagaje" que se utilice para ello.

Pero en eso Joglars y Boadella son unos genios y con muy poco en escena, apenas el impresionante trabajo de los actores y muy poco más, consiguen el efecto contrario, el que debe buscarse siempre que se levante el telón para que se pueda dividir el poco presupuesto que hoy en día se da a la cultura y pueda llegar para todos: consiguen lo máximo con los mínimos recursos.

Enhorabuena a todos ellos y no dejéis de ir al Nuevo Teatro Alcalá si queréis disfrutar de un maravilloso espectáculo de teatro y canto.

EN UN MUNDO MEJOR (Hoevnen, Susanne Bier, 2011)

Aunque no soy un fanático del cine Dogma, tengo que reconocer que esta película me asombró por su fuerza y su increíble sentido de ayuda a los demás. En un mundo mejor, que obtuvo el Oscar a la mejor película en lengua no inglesa, está llena de violencia y de venganza, pero está narrada con serenidad. Aparecen dos mundos, el de la vida acomodada de los ciudadanos daneses y el de la pobreza y la incertidumbre de un campo de refugiados africano en el que la gente vive en tiendas de campaña y lucha cada día por sobrevivir. Se opone la felicidad de los niños africanos, que se contentan con un simple balón, y la ausencia de felicidad de los niños en la Europa Occidental.
Anton, médico, divide su vida entre la ciudad danesa en que está su familia y el campo de refugiados en que trabaja. Tiene que enfrentarse a conflictos, junto con su familia, que lo empujan a escoger entre la venganza y el perdón. A punto de separarse de su esposa, su hijo mayor sufre el acoso por parte de los compañeros de su colegio hasta que otro alumno lo defiende, Christian, que acaba de llegar desde Londres con su padre después de la muerte de su madre. Este no ha superado la pérdida de su madre, por lo que busca un amigo con el que volver a quedar, pero enseguida Christian involucra a Elías en un acto de revancha que cada vez va adquiriendo mayores tintes de tragedia. A pesar de que ninguno de los niños admite la ayuda de sus padres, finalmente no les quedará más remedio que dejarlos que intervengan. Mientras todo esto ocurre en Dinamarca, Anton se ve inmerso en un ataque al campo de refugiados donde trabaja y tiene que decidir rápidamente qué hacer ante un caso de violencia, que a él le parece justificado.
Problemas morales que el espectador debe resolver de forma rápida. Impresionante, no me extraña que haya ganado el Oscar, no te arrepentirás de haberla visto, verdaderamente encomiable por mostrar el mundo de los campos de refugiados con el dolor de la actualidad y mostrar cómo el mundo de los niños es el reflejo absoluto del mundo de los mayores.

LA DEUDA (THE DEBT, John Madden, 2011)

Si quieres ver una película que te tiene casi 2 horas literalmente pegado a la pantalla por su interés, el buen hacer del director, la tensión y el magnífico papel que desarrollan los actores (impresionante Helen Mirren, en la línea de lo habitual), no dejes de ver La deuda.

Rachel Singer (la oscarizada Helen Mirren de 'La reina') es una antigua agente del Mossad a la que se le encargó una misión en los años sesenta en Berlín oeste: capturar a un conocido criminal nazi, 'el Cirujano de Birkenau', asesino de tantas mujeres y niños durante la Segunda Guerra Mundial. Junto a ella (reconvertida en su juventud en Jessica Chastain, la magnífica actriz de 'El árbol de la vida'), se encontraban sus dos compañeros de comando, Stephan (Marton Csokas de 'El mito de Bourne') y David (Sam Worthington de la increíble 'Avatar'). Entre ellos se formó durante la misión un extraño triángulo amoroso que acabó por pasar factura años después.
Ahora, muchos años después, los errores del pasado volverán a atormentar a Rachel tras el suicidio de David después de haber ido a verla para pedirle que cambiara todo en sus vidas (Ciarán Hinds de 'La vida en tiempos de guerra') y la presión de su antiguo marido, Stephan (Tom Wilkinson, el veterano actor de 'En la habitación') para que termine lo que no fueron capaces de hacer en aquel momento. Todo parecía indicar al comienzo de la película que la misión había finalizado felizmente, pero los flash-backs de la película y la atormentada vida de los tres y del resto de personajes nos hará ver que cuando se cuenta una mentira, todo acaba por salir a la luz.

Increíble, no dejéis de verla.

EL ÁRBOL DE LA VIDA (The Tree of Life, Terrence Malick, 2011, CINE)

Insuperable la poesía en el canto a la vida del profesor de Litearatura y director de cine Terrence Malick. Había escuchado en las críticas televisivas del Festival de Cannes que no dejaba a nadie indiferente, y estaban en lo cierto. Inmejorables son también las actuaciones de Brad Pitt, creo que he vuelto a reconciliarme con el americano tras el horror de Quemar después de leer de los Hermanos Coen; de Jessica Chastain en el papel de su esposa, a la que sus hijos quieren muchísimo pero a la que el mayor también trata de forma parecida a la de su padre (para que luego se diga que los hijos no repiten el papel de sus padres); y el increíble Sean Penn, al que sigo fervorosamente desde su papel protagonista en la inigualable Mystic River del oscarizado Clint Eastwwood.
Si la película me llenó de dudas a la vez que de ilusión (en cuanto a pensamiento), reconozco que en ella todo son aciertos: la música es increíble, la fotografía insuperable y la dirección de Malick soberbia. Esos planos detalle de los personajes hacen que nos sintamos cerca de ellos y de lo que sienten en cada momento. Los jóvenes actores que hacen de los hijos del matrimonio formado por Pitt y Chastain son verdaderamente buenos, y sus escenas llenas de ilusión, bromas y dolor contrastan tan bien con el resto de la película que te dejan absolutamente fascinado.
La película sigue el viaje de la vida del hijo mayor de una familia de clase media de los años 50, Jack (interpretado en la edad adulta por el siempre increíble Sean Penn), desde la inocencia de su infancia hasta la desiludión de su vida como adulto y las relaciones con los distintos miembros de su familia, pero sobre todo con su padre, cuya relación de amor-odio es auténtica por lo real y bien narrada y visualizada que está. A pesar del dolor de la muerte que vertebra toda la película (perfectamente hilada con los flash-backs y forwards), está claro que Jake, y Malick, por supuesto, se ven perdidos en un mundo moderno buscando respuestas a los orígenes de la vida y al sentido que esta tiene mientras cuestionan la existencia de la fe, aunque no todos los personajes lo ven de la misma forma.
Y por si os quedan ganas de saber un poco más, os añado un enlace magnífico a una crítica que leí. Impresionante. No dejéis de ir a ver una reflexión sobre nuestra propia existencia porque además de ser magnífica, os hará pensar un poco sobre el mundo en que vivimos.

http://www.notasdecine.es/55108/criticas/critica-el-arbol-de-la-vida/#comment-19483

EL CAPITÁN AMÉRICA (Cine)

Hace años cayeron en mis manos, por pura casualidad, algunos números del cómic del Capitán América en versión original (Marvel Comics). Yo estaba en Estados Unidos trabajando, concretamente en Long Island, en el precioso pueblo de Montauk, y en la Biblioteca del pueblo había casi toda la colección. Recuerdo que saqué varios de ellos con el carnet de Susan, nuestra encantadora "madre americana", y me engancharon desde el primer momento. Ahora ya no los tengo frescos en la memoria porque de eso hace ya 15 años, pero sí recuerdo que eran muy buenos, la historia del "enclenque" Steve Rogers, y sus ganas por defender su país me llenaron de emoción en aquellos días en los que tanto recordaba la Segunda Guerra Mundial tras mis estudios. Tenía muchas ganas de ver esta película y tengo que reconocer que, a pesar del interés y las buenas actuaciones, la película en su conjunto no me encantó. Aunque no leí todos los comics ni sé toda la historia que se haya podido publicar sobre este personaje, está claro que la película solo retrata el principio de la historia, y por eso se me quedó un poco pobre. Es verdad que trata sobre temas universales: la amistad, la defensa de un país, el amor, una moral de acero. Y los vi representados en la película, con un Chris Evans que será recordado siempre por este papel, pero quizá esperaba más. También debo decir que está bien el hecho de que se dé tanto valor a un chico débil, porque hay muchos jóvenes así que pueden verse reflejados y darse cuenta de que los débiles no siempre son los perdedores. Estoy casi seguro de que habrá continuación, o varias, así que las espero con avidez. No dejéis de verla, os entretendrá durante casi 2 horas, lo cual no es poco para una película de cine. Creo que el séptimo arte debe tener como primer objetivo el de entretener, así que ya es bastante. Los fans del Capitán América estamos encantados con la historia, así que esperamos que continúe y que Chris Evans siga siendo el protagonista.

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (Cine)

A mí no me habían enganchado ninguna de las dos anteriores películas sobre el tema de los simios. Ni la gran película protagonizada por Charlton Heston, a pesar incluso de que pude ver en vivo los escenarios naturales en que se grabó, en el siempre original Túnez, y mucho menos la versión de Tim Burton, una estética y una forma de ver el mundo que está un poco demasiado lejos de la mía. Cuando me senté en la butaca, tenía miedo a volver a aburrirme como en las anteriores, pero eso no ocurrió en ningún momento. No solo me enganchó la preciosa historia, sino que sus protagonistas fueron los mejores. James Franco hace un papel inolvidable porque debe enfrentar su interés investigador al amor por sus seres cercanos y queridos. La chica protagonista, la guapísima Freida Pinto, a la que ya no reconocemos desde Slumdog Millionaire, es otro de los pilares de esta historia tan sensible. Y magnífico en su delirio y en sus buenos momentos está el padre de Will (James Franco), el actor John Lithgow. Claro que una película sobre este tema debe tener como protagonista a un simio, en este caso es César, un simio tan cercano a los humanos que sales de la sala pensando que podría ser un amigo más. Impresionante su participación. Para mí, un clásico moderno muy por encima de la película de Heston. Id a ver esta maravilla que os ayudará a pensar que el mundo de los hombres y el del mono no están lejos, muy al contrario, estamos demasiado cerca. Salí del cine maravillado, pensando que quizá algún día no muy lejano algunas de las palabras de Will en la película se harán realidad. Gracias a Rupert Wyatt por su magnífica dirección. Y gracias a mi amigo Dani por insistir en que la viera.

EL ESCRITOR (The Ghost Writer), de Roman Polanski (Cine)

Que Roman Polanski es un genio lo demuestra su carrera cinematográfica. Si nos dejó absolutamente alucinados con la magnífica película El Pianista, gracias a la cual vimos al mejor Adrien Brody, El Escritor no os dejará indiferentes. A los que amamos este mundo de la literatura nos dice mucho esta magnífica película y esta inigualable obra de arte. Con Ewan McGregor y Pierce Brosnan en los papeles más importantes, ambos con una maestría difícil de alcanzar, este "thriller político" nos lleva por el mundo de la hipocresía, ya que nada ni nadie es lo que parece en este mundo. Ewan McGregor, un escritor, es contratado para escribir la autobiografía de Adam Lang (Pierce Brosnan), ex primer ministro británico. Aquí ya se ve que "el negro" escribirá tal obra pero será publicada con elnombre del político. Claro que este "escritor fantasma", como reza el título original en inglés, McGregor, no es el primero que lo intenta, el escritor que había comenzado el trabajo ha muerto en extrañas circunstancias. El dinero es otro de los temas importantes, como ocurre en la sociedad de nuestros días. El "escritor fantasma" cree que esta va a ser una oportunidad única para mejorar su economía, pero en cuanto empiece a invesitgar, se encontrará con muchas cosas que no deberían saberse y que, en caso contrario, supondrán un escándalo político de magnitud internacional. Si los actores son los mejores que podía tener esta película, los escenarios lo son también. Polanski es siempre alguien que consigue sorprenderte con su forma de ver el mundo. Un genio que aún hoy está al alcance de muy pocos en el mundo del cine. No dejéis de ver esta pequeña maravilla del séptimo arte.

LÁZARO EN EL LABERINTO, de Antonio Buero Vallejo (Obra de teatro)

A los amantes del teatro de Buero, esta obra nos va a gustar por su estilo, por lo que cuenta, pero no es el Buero al que estamos acostumbrados, al de las impresionantes Historia de una escalera, En la ardiente oscuridad, El concierto de San Ovidio o El tragaluz, entre otras muchas maravillas. El dramaturgo dedica esta obra a la memoria de su hijo Enrique Buero rodríguez, que murió con solo 24 años y qu muy probablemente habría tenido un papel en la representación que tuvo lugar en el Teatro Maravillas de Madrid en 1986. Este drama trágico versa sobre la hipocresía, el temor y el amor. Lázaro, el dueño de la librería "El Laberinto" vive con su hermana Fina y sus sobrinos Coral y Mariano. Lázaro muestra una conciencia atravesada por los remordimientos de una relación anterior, cuando era joven, y oye continuamente el sonido de un teléfono que nunca suena. La relación de estos cuatro personajes con Amparo, ex novia de Mariano y amiga de Coral, y con Germán, al que todos creen amigo de Mariano y ex novio de Amparo, lleva a una clara reflexión sobre las formas de amar y el dolor por algo que parece no haber terminado nunca. Imborrable en la mente de cualquiera que pueda leerla. Un Buero distinto, pero muy bueno, como siempre.

CUANDO CAE LA NOCHE (By Nightfall), Michael Cunningham (Novela)

A todos los que os haya gustado la magnífica película de Stephen Daldry, Las Horas, deberíais saber que está basada en una novela del escritor Michael Cunningham. Y si os gustó la película, y conocéis o habéis leído la novela, no podéis dejar de leer el último éxito de este escritor, Cuando cae la noche. Un matrimonio de mediana edad en el Manhattan actual. Rebecca y Peter llevan tantos años juntos que su matrimonio se ha convertido en pura monotonía de trabajo, casa y salidas con amigos. Pero la juventud de Dizzy (Ethan), el hermano de Rebecca, que ha vuelto a casa de su hermana tras una época perdida de drogas y confusión, hará que las convicciones de los protagonistas se tambaleen. Impresionante. No puedes dejar de leer. Hacía bastante tiempo que no leía una novela de 300 páginas en solo tres tirones. La verdad es que en cuanto aparece Ethan la novela coge carrerilla y no te deja abandonarla. La calidad literaria es extrema, me recuerda a la forma de narrar de James Joyce y un poco también a la de Henry James. Deja que la conciencia fluya como si de un soplo de viento se tratara. Os animo a que la leáis porque no os dejará indiferentes en ningún aspecto.

LITERATURA JUVENIL, CLÁSICA Y ACTUAL.

POR PETICIÓN EXPRESA DE UNA BUENA AMIGA, EN POCO TIEMPO APARECERÁN TAMBIÉN ENTRADAS SOBRE LITERATURA JUVENIL. INCLUIRÁ POESÍA (Antologías sobre todo), NARRATIVA Y TEATRO. NUESTROS JÓVENES SON LOS PRIMEROS QUE TIENEN QUE LEER Y SOMOS NOSOTROS QUIENES TENEMOS QUE FOMENTAR SU INTERÉS. PARA ELLOS APARECERÁN CADA MES DOS OBRAS CON LA EDAD A LA QUE PUEDEN ACCEDER SEGÚN EL CRITERIO DE QUIEN PUBLICA LA ENTRADA. EL PRIMER MES SERÁ NOVIEMBRE DE 2011 PARA QUE SE PUEDA COMENZAR A LEER EN LAS VACACIONES DE NAVIDAD. ¿QUÉ MEJOR REGALO QUE UN BUEN LIBRO?

PARA EMPEZAR A PENSAR, VAMOS CON EL TEATRO. CUALQUIER OBRA DE ALEJANDRO CASONA, EL ASTURIANO UNIVERSAL, SEDUCE A LOS CHICOS A PARTIR DE 12 AÑOS. LO MEJOR SERÍA QUE LOS PADRES COMENZARAN A LEER EL TEATRO CON ELLOS HACIENDO CADA UNO UN PERSONAJE PORQUE ASÍ SE CREA UN AMBIENTE QUE NO SOLO AYUDA A LA LECTURA Y A LA COMPRENSIÓN SINO QUE CONVIERTE ESE ACTO EN ARTE Y AMOR. ¿Por qué no comenzar con La dama del alba? Estoy seguro de que no os lo vais a creer.

MR. SKEFFINGTON, 1944 (WARNER BROS., CINE)

Esta increíble película pone a la inigualable Bette Davis a la altura de las mejores actrices del mundo. Todas sus grandes películas la han llevado al éxito: La loba, ¿Qué fue de Baby Jane?, Eva al desnudo..., pero ya en 1944, año en que esta película se pudo ver en las salas de cine, la Davis recibía su octava nominación al Oscar, claro, por Mr. Skeffington. Junto a la Davis aparecen Claude Rains, su abnegado esposo judío, Walter Abel, Richard Waring, George Coulouris y Marjorie Riordans. Todos ellos dirigidos por la sabia mano de Vincent Sherman.

Esta película trata sobre la vanidad, sobre cómo las personas se dan cuenta demasiado tarde de que su belleza se ha marchitado y de que ya no les queda tiempo para nada. Es este un tema literario por excelencia, el de las personas que solo se preocupan de sí mismas. Fue tratado magistralmente por el irlandés Oscar Wilde a través del famoso cuadro pintado en El retrato de Dorian Gray, como veremos en esta película (el cine siempre ha aprovechado los recursos literarios para avanzar, aunque aquí el cuadro no estará escondido en el desván, sino en el salón a la vista de todos y rodeado de espejos que reflejan siempre tu imagen).

La joven y bella Fanny ha dedicado su vida por entero a la belleza y a gustar a los hombres. Cuando conoce al Señor Skeffington, acaba casándose con él. Pero no lo hace por amor, sino por interés. Su matrimonio hace aguas por todas partes: ella sigue alentando a sus pretendientes y su marido, cansado de que no le haga ningún caso, comienza a verse con mujeres más jóvenes. Antes han tenido una hija, pero ahora llega el momento de la separación. La hija se va a Europa, concretamente a Alemania, con su padre judío. Los avatares históricos harán que Fanny, la hija de ambos, vuelva a Nueva York, a la casa de su madre, mientras el padre sigue en Europa. La casi anciana Fanny sufre una enfermedad y se siente vieja y marchita, como las rosas que han dejado que pase demasiado tiempo sin preocuparse por nada que no sea su propia belleza y su propio interés. Comienza aquí la segunda parte de la película: la madre va en decadencia frente a la belleza sin par de la hija a la que ha querido "en la distancia" durante todos estos años. El primo George, enamorado desde siempre de Fanny, la madre, es el portador de la anagnórisis, como ocurría en la antigua tragedia griega: cuando todo parecía hundirse alrededor de la vieja Fanny, todo resurge porque "Una mujer es bella cuando es amada. Y solo entonces".

Increíble, llena de vanidad y de amor, con mucho que enseñar, sobre todo a las generaciones jóvenes. La casa llena y la casa vacía de la Sra. Skeffington son el símbolo de nuestra sociedad, tan enganchada a los "realities" y a la vida de mentira, vivida por otros, y a la incomunicación. Sobre todo esto y mucho más habla la magnífica película Mr. Skeffington, remasterizada y con material compelmentario editada de nuevo por Turner Entertainment y Warner Bros. en 2005. Disfrutadla, pensad mucho en el mensaje que nos envía y en los modelos de comportamiento que siempre se han repetido y continúan repitiéndose en nuestra sociedad de hoy. Dejaos llevar por su interés y su actualidad a pesar de que tiene más de 60 años.

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO (TENNESSEE WILLIAMS, Teatro)

Es la segunda vez que veo Un tranvía llamado deseo desde que se estrenara en Santander allá por finales de invierno y producida por el genial Juanjo Seoane. La primera vez que la vi fue el día del estreno nacional en Santander. Entonces pude apreciar que la dirección de Mario Gas era perfecta y que la versión teatral para esta puesta en escena era fabulosa, si no recuerdo mal era de José Luis Miranda. Los actores, excepto la absolutamente inigualable Vicky Peña, estaban bastante flojos en sus respectivos papeles. La actuación de Vicky ensombreció la de los demás: Blanche era un terremoto que se llevaba del escenario a todos, incluyendo al flojo Stanley y a la poco expresiva Ariadna Gil, Stella. En aquella ocasión fue en el Palacio de Festivales de Santander. Pero hoy la he visto en el precioso teatro Tívoli de la Ciudad Condal. Un teatro construido en 1919 y que alberga todavía durante unos días la magnífica, hoy sí, interpretación de todo el elenco de Un tranvía llamado deseo. Dentro del Festival de Teatre Grec de Barcelona, ningún teatro mejor para acoger este increíble alegato a favor de la lucha por la supervivencia. Todos tenemos en la cabeza la película con Vivien Leigh y Marlon Brando bajo la dirección del siempre polémico Elia Kazan, pero la versión puesta hoy en escena, con algunos cambios y matices, es lo más parecido. El trío protagonista: Vicky Peña (Blanche), Roberto Álamo (Stanley) y Ariadna Gil (Stella) brilló con luz propia. Vicky aún mejor, Roberto en un papel violento y sensual tan parecido a Brando y Ariadna en una de sus mejores actuaciones han hecho que el teatro se levantase para aplaudir y gritar algún "Bravo". El resto muy bien, siempre consiguiendo que la acción no decayese en ningún momento. El público no solo se enamora de la perdedora Blanche, magistral Vicky Peña, que pasa de la risa al llanto, de la realidad a la imaginación en décimas de segundo, sino que se engancha al terrible Stanley, en su mejor versión gracias al buen saber hacer del increíble Roberto Álamo. No dejeís de verla. Sorprendente. 

LUCES DE BOHEMIA (Ramón Mª del Valle-Inclán, TEATRO)

Luces de Bohemia, el maravilloso esperpento de Valle-Inclán, se ha llevado a la escena en múltiples ocasiones aunque en su época nadie pensó en algo así. Yo he visto varios montajes muy distintos y hoy he visto, para mí, el mejor. Dentro del Festival de Teatre Grec de Barcelona, al que hace años que quería asistir, he visto ese montaje. Apenas tenía nada de mobiliario ni atrezzo más que los distintos trajes de los personajes, pero salí encandilado de la Biblioteca Nacional de Cataluña, en el barcelonés barrio del Raval. Unos actores con fuerza, coraje, pero llenos de humanidad, como si el propio Valle los estuviera dirigiendo. La crítica, tan actual hoy en día, hace al espectador pensar que Valle-Inclán ha escrito su esperpento ayer. El actor que interpretaba a Max Estrella recordaba en la voz y en la actuación a la memorable versión que hizo el gran Paco Rabal. Madame Colette y su hija Claudinita inmejorables en su dolor. El Coro de Poetas Modernistas, inigualable. El gran Latino de Hispalis en su mejor versión. El Ministro y el librero Zaratustra impresionantes. Dieguito y el obrero catalán, el paria, un actor con un gran futuro por delante. Y Rubén Darío y la portera, increíbles en sus tan distintos papeles.  Con solo 7 actores han suplido al innumerable elenco de personajes que aparecen en la noche madrileña de la bohemia. Una versión que el propio Valle habría firmado, con añadidos que a todos nos llevan al mundo de la poesía y el arte. Animo a todos a que vayáis a verla, os encantará. Saldréis pensando que el teatro es un arte contemporáneo, se escriba cuando se escriba porque el momento del teatro es el de la representación. De paso daos un paseo por el Barrio del Raval barcelonés, de imborrables recuerdos para todos sus visitantes.

BEGGINERS (CINE)

Si estáis interesados en el cine de autor, ninguna película mejor en las últimas semanas que Begginers, cuyo título en español debería ser Principiantes. El siempre maravilloso actor Christopher Plummer es un hombre mayor que ha estado casado durante más de 40 años. A la muerte de su mujer decide vivir su verdadera vida, la que siempre quiso llevar, y encuentra nuevos amigos y a alguien muy especial. Pero pronto se entera de que le queda poco tiempo de vida. Su hijo, un magnífico, como siempre, Ewan McGregor, tiene miedo al compromiso, pero tras la muerte de su padre, sus recuerdos le harán cambiar de parecer. La película te contagia las ganas de vivir de inmediato, su ritmo te empuja hacia la decisión, hacia el ánimo, hacia la búsqueda de lo que en realidad quieres y de quién eres en realidad. Al lado del viejo Plummer y de su hijo te emociona la chica francesa, Melanie. Un trío verdaderamente especial. En versión original en los Cines Princesa (Metro: Plaza de España). ¡No os arrepentiréis de haberla visto, inmejorable!

EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA

Este drama de Juan Mayorga, uno de nuestros mejores dramaturgos del momento, deja perplejos a los asistentes a la función. Los actores tienen una energía desbordante, sobre todo el chico protagonista. Es increíble cómo alguien puede meterse tanto en la vida de los demás que le parezca imposible abandonar tal actitud. Una fuerte crítica al mundo actual de los "voyeur". Animaos a ir a esta sala aun cuando la obra sea otra. Muy buen trabajo tanto el de gestión de la sala como el de la compañía.

BURUNDANGA

Para los amantes del teatro de verano. Ligera, llena de humor y hecha con mucho amor. Una chica quiere saber quién es en realidad el chico con el que está saliendo desde hace unos meses. Su amiga la anima a echarle un suero en la bebida y así podrá saber todo de él. A partir de este momento las situaciones cómicas e hilarantes se suceden sin tregua. Los actores geniales, muy metidos en su papel. Mientras el teatro se desternillaba, ellos totalmente concentrados siguiendo la marcha. Si queréis salir del teatro después de haberlo pasado genial y con un buen subidón, id al Teatro Maravillas en Madrid, calle Manuela Malasaña, metro Bilbao. No os arrepentiréis.

EL CASTIGO SIN VENGANZA

El castigo sin venganza, la obra mejor considerada de la última etapa de Lope de Vega, muestra los amores adúlteros entre el conde Federico y Casandra, la joven esposa de su padre, el gran Duque de Ferrara, un hombre que se ha dedicado siempre a burlar mujeres pero que ama a su hijo por encima de todo. Si alguien quiere ver una puesta en escena magnífica, recomiendo la de Rakatá Teatro, que durante este verano se representa en el Teatro Alcázar de Madrid (Metro: Sevilla). A los amantes del buen teatro os dejará boquiabiertos. Si os gusta Lope de Vega, saldréis pensando que estáis en pleno siglo XVII. La energía, la expresión y el saber hacer de los actores es el mejor reclamo para acercarnos a verlos. Magníficos hasta en el dolor. ¡No os la perdáis!